Пикассо и футбол: скульптура «Футболист», симпатизировал «Барселоне» (хотя это не точно)

Спорт в жизни великого художника.

Говорят «Пикассо» — подразумевают кубизм. Но только ли этим отпечатался великий художник в истории мировой живописи? Трудно поверить, но все многообразие способов самовыражения, которое использовал Пикассо, имело под собой крепкий фундамент из навыков академической живописи. Говорят, в детстве Пикассо писал реальность, но в юности — чувства. И это, пожалуй, самая точная фраза, чтобы описать огромное наследие, оставленное мастером. Вбирая везде — начиная от импрессионизма и заканчивая африканскими этническими масками — он неизменно двигался навстречу обретению собственного визуального языка.

Черпая вдохновение из окружающего мира, Пикассо, как человек широкого кругозора, не обходил стороной спорт — вещь динамичную и захватывающую в любом своем проявлении. Футбол в этом смысле не стал исключением. По словам Майка О’Махони, профессора истории искусства университета Бристоля, специализирующегося на представлении спорта в визуальной культуре, художник был неравнодушен к «Барселоне». «Основной страстью Пикассо были коррида и бокс, но он был тронут футболом, который открыл для себя в 1960-х. По-видимому, он болел за «Барселону» — клуб города, в котором провел юность, прежде, чем переехать в Париж», — говорит О’Махони.

Коррида, футбол, «Футболист»

Пикассо обожал корриду и эта страсть неизбежно отразилась в его искусстве. Бык в его картинах олицетворял мужское начало, лошадь — женское. Сама же коррида в представлении мастера — вечное столкновение и противостояние мужчины и женщины. Если задуматься, тема противостояния сквозная для всего его творчества, даже если не говорить о картинах с политическим подтекстом.

Противостояние тяготам жизни бедняков в Голубой и Розовый периоды творчества (ниже расскажем, что это). Через кубизм — противостояние искаженного или разложенного изображения логичному и цельному миру, через кошмарный сюрреализм — реальности, а через выходящее за рамки творчество — картины и зрителя. В богатом на образы, стили, темы и объем наследии (мастер создал около двадцати тысяч работ), оставленном Пабло Пикассо, нашлось место и для изображения спорта как символа чистого состязания.

Одним из таких произведений стала небольшая статуэтка «Футболист» (1965). Запечатленный в свойственной Пикассо манере абстрактный силуэт футболиста, несмотря на лаконичность и образ, больше напоминающий морскую звезду, выстроен так, что зритель моментально считывает фигуру застывшего перед ударом спортсмена. Приятно-гладкая поверхность и плавные формы диктуют легкость и динамизм, а общий вид скульптуры передает какое-то необычное для работ автора веселье и полноту жизни. Помимо соревновательного аспекта, Пикассо сильно впечатляла эстетика движений спортсменов, поэтому в своих работах он, в свойственной ему манере, пытался сконцентрировать энергию игры в простой форме. Создав эту керамическую скульптуру футболиста, он предложил принципиально новый взгляд на визуальное выражение сущности футбола в культуре. Сейчас статуэтка принадлежит Национальному музею футбола в Манчестере и в 2019 году была одним из экспонатов проводимой музеем выставки «Футбол — искусство».

Другое произведение на ту же тему — рисунок «Футбол» (1961). В нем запечатлена такая же легкая, простая и жизнерадостная энергия состязания, как и в статуэтке.

Детская манера, яркие цвета, простые, но динамичные формы. Насыщенная зеленая трава. В центре — желтый мяч, на который бегут игроки противоположных команд, формы которых окрашены в синий и красный цвета. Цвет в этом случае — единственное средство разделения игроков, потому как других индивидуальных черт они лишены, оставляя таким образом место чистому соревновательному духу и природе игры.

***

Академия футбола — в том числе образовательный проект, и мы верим, что многие прочитавшие этот текст захотят узнать побольше о Пабло Пикассо в целом. Рассказываем подробно о главных периодах его творчества в этом тексте.

Ранний Пикассо: сын учителя, писал пейзажи

Отец Пикассо был учителем рисования, еще ребенком Пабло отправился в художественную школу, а после занятий практиковался в живописи дома, под наблюдением так удачно подвернувшегося учителя. Первые шаги художника были стандартными: он изучал перспективу, теорию цвета, писал пейзажи, натюрморты из бытовых предметов и портреты близких. Не искушенный искусствоведением человек, взглянув на его ранние работы, едва ли поверил бы, что они были написаны несовершеннолетним, и уж тем более не признал бы в них руку того Пабло Пикассо, которого сейчас знает каждый, кто хотя бы немного интересовался историей европейской культуры и искусства XX века.

«Портрет матери художника» (1896)

Деление пространства картины на планы, адекватно падающий на предметы и персонажей свет, перспектива и тщательная проработка деталей — характерные черты раннего этапа творчества Пикассо. Но что же случилось потом?

Голубой период: нищие, меланхолия

С возрастом уровень осознанности и вовлеченности художника в творческий процесс неизбежно развивался. Усвоив все базовые вещи, Пабло двинулся в сторону самовыражения и поиска собственного стиля. Художник жил в Барселоне, но часто бывал в Париже — большом, шумном и зачастую неблагополучном. Под впечатлением от изнанки города, основным мотивом так называемого Голубого периода стало изображение тяжелой жизни дна: нищих, попрошаек, калек.

«Завтрак слепого» (1903)

Голубой период — это глубокая меланхолия и уныние. Для усиления передачи нужного настроения художник начал зажимать персонажей в душные тесные пространства, умышленно уплощал изображение, неестественно вытягивал конечности изображаемым беднягам, и все это выделял жирными контурами и, конечно же, все это писал в голубых оттенках.

Розовый период: Париж, уличные артисты

После переезда в Париж настроение художника и его картин меняется — в голубом унынии начинается розовая оттепель. Главными героями оставались неблагополучные члены общества, только на этот раз Пикассо переключился с бродяг на циркачей и уличных артистов (иногда Розовый период еще называют Арлекинским).

Холодные синие оттенки уступили теплу розово-оранжевого, а тесные трущобы и переулки дали дорогу более просторному окружению. Яркие же контуры, такие характерные для предыдущего этапа, были резко отвергнуты — теперь Пикассо хотел не ярко выделить героев на холсте, а, наоборот, как бы растворить их в пространстве картины.

«Девочка на шаре» (1905)

Под занавес Розового периода в творчестве Пикассо начали появляться новые черты: рисунки неизбежно становились примитивнее, нарастала условность изображений и жесткость черт. Обратившись за вдохновением к творчеству первобытных культур, он двинулся по пути упрощения, который привел к созданию самого известного «изма» XX столетия — кубизма.

Кубизм, протокубизм, аналитический кубизм, синтетический кубизм

«Авиньонские девицы» — ключевое произведение в творчестве Пикассо. Эта картина настолько резко отличалась от всего, к чему привыкла публика той эпохи, что это неизбежно привело общество в перманентный шок, вызвав отторжение и непонимание. Даже близкие друзья Пикассо — Анри Матисс и Жорж Брак — не поняли товарища, увидев в картине насмешку над новым искусством.

«Авиньонские девицы» (1907)

Такая резкая перемена стиля не была случайной или созданной лишь с целью спровоцировать гнев общества. Да, Пикассо хотел спровоцировать, но не общество, а зрителя. Демонстративное нарушение всех понятий о гармонии, жуткий излом линий и изображение откровенно уродливых истуканов с гипнотизирующим взглядом вместо женских фигур, было сделано с одной целью: встряхнуть пассивного инертного наблюдателя и превратить его в субъекта, лично взаимодействующего с картиной. Да, теперь не только человек смотрит на картину, но и картина смотрит на человека.

Другой важной картиной Пикассо и кубизма стала «Герника». Художник написал ее во время Первой мировой войны, после бомбардировки немцами мирных жителей одноименного города Страны Басков. Эта картина стала ярким антивоенным произведением, изобразившим крайнюю степень человеческой жестокости. По легенде, однажды немецкий офицер указал на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?», на что он ответил: «Нет, вы».

«Герника» (1937)

За кубизмом последовали его вариации: протокубизм, аналитический и синтетический кубизм. Первый появился под впечатлением Пикассо от африканских примитивных статуэток, простая суть которых захватила художника. Протокубизм выражался в тотальном упрощении, если не огрублении, форм: персонажи картин выглядят как деревянные племенные идолы с масками вместо лиц и геометрическими фигурами вместо частей тел. Аутентичность этой экзотики подчеркивалась всевозможными оттенками коричневого и штрихами-засечками на коже.

«Женщина с веером» (1908)

Для аналитического же кубизма Пикассо черпал вдохновение из калейдоскопа. Стремясь освободить объекты от видимой формы, художник пытался как бы расщепить объемы на осколки и разложить их на плоскости в качестве своеобразной развертки, изобразив не сами предметы, а скорее идеи о них. Границы между планами пространства стирались начисто, перспектива отвергалась, а палитра ограничивалась приглушенными тонами.

«Сидящая обнаженная женщина» (1910)

Окончательно утратив связь с окружающим миром в своих работах, мастер начал создавать новую художественную действительность из подручных вещей. Синтетический кубизм — это, как правило, салат из образов и предметов, впечатанных в пространство картины. Музыкальные инструменты, предметы быта, вклееные куски обоев, газет, обрывки писем — все могло оказаться на холсте. Плоскость превратилась в коллаж, а вместе с фактурой в арсенал художника вернулись яркие цвета. Через синтетический кубизм Пикассо плавно перешел к созданию театральных декораций и скульптур.

«Гитара» (1920)

Классицизм и сюрреализм: переосмысление античности, ночные кошмары

Между двумя мировыми войнами Пикассо успел пройти еще два творческих периода: классицизм и сюрреализм. Сперва он, вдохновившись статуями Рима, попытался переосмыслить античное искусство. Эти попытки автора легко узнать — они резко выбиваются из общего ряда картин, которые он создавал большую часть своей жизни. Работая над ними, он вернулся к объемам и реалистичному изображению человеческих фигур, чаще всего поставленных в монументальную позу, на манер древнегреческих статуй.

«Мать и дитя» (1921)

Но за спокойной классикой последовала очередная и как обычно резкая смена курса. Познакомившись с Андре Бретоном, основателем сюрреализма, Пикассо сразу же загорелся новым течением и вписался в ряды сюрреалистов. Античность со своим стремлением к совершенству отошла в сторону, а на ее место пришли безобразные ночные кошмары. Асимметричные лица и раскиданные в пространстве холста части разделенных тел, подкрепленные жесткими контурами и отсутствием объемов — вот основные приемы, которые художник использовал в увлечении новым стилем.

«Фигуры на берегу моря» (1931)

***

Две мировые войны, лишения, успехи, личные и общечеловеческие драмы — как человек незаурядный, он многое видел и пережил, но никогда не терял интереса к жизни в любых ее проявлениях, неутомимо пропуская через себя эмоции каждого дня и фиксируя их на холсте.